Alessandra Maria
Porfidia

Profesora y coordinadora de la Escuela de Escultura de la Academia de Bellas Artes de Roma, donde se formó.

Expone en Roma desde 1980 y colabora con varias galerías internacionales, tras haber debutado en la galería de Carmine Siniscalco, «Studio S Arte Contemporanea», y, desde 2005, con la Galería Edieuropa de Bozzini.

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La riqueza del arte se revela en la capacidad de desarrollar la imaginación y de transformar. El arte no es un fenómeno que necesite explicación, sino más bien una modalidad de investigación.
A lo largo del itinerario didáctico, el curso aborda cómo trabajar a la vez que se respeta y se descubre la sensibilidad individual.
Para los estudiantes, igual que para los artistas, algunas preguntas son fundamentales

• ¿Qué hacer?
• ¿Cómo hacerlo?

El «modo» de tratar la materia cambia el sentido. Por eso, la escultura logra encarnar el concepto al tomar forma en un cuerpo sensible y material. La escultura tiene la función de estimular nuevas visiones, nuevas actitudes sensoriales, inventar e interpretar el espacio de una manera nueva. En la escultura entran en juego la materia y la forma, que son las protagonistas fundamentales. La calidad de la materia y la especificidad de la forma generan algo único. La percepción es el primer acto fundamental que se lleva a cabo, tanto interior como exteriormente. El ojo y la mano están estrechamente conectados, al igual que nuestro cerebro y nuestro cuerpo; por eso, a través de los procesos prácticos, descubrimos cosas y aprendemos a conocernos a nosotros mismos y al mundo.

El arte es un desafío diario que busca la transformación y la investigación. ¿Cuál es el origen de la investigación? ¿Es más importante la idea o la imaginación? ¿Qué es la visión? ¿Es más importante la sensibilidad para con la materia o la tecnología? ¿Qué relación establece la obra con el tiempo? Estas son algunas de las preguntas que el curso aborda tratando de encontrar respuestas para generar nuevos estímulos.

El Programa de tres años en Escultura de primer ciclo busca estimular el conocimiento de las técnicas y explorar el concepto de arte plástico a través de la experiencia viva en el taller. Se trabajará sobre las metodologías y las tecnologías, sobre el concepto de «poética» y sobre el «lenguaje». En el curso se tratan algunas de las cuestiones fundamentales para el artista: los conceptos deespacio, materia, el estudio de la acción, la imaginación, la percepción, sinestesia, tactilidad, el concepto de lo vacío, lo lleno, el cuerpo, la relación. Los alumnos van explorando estos temas clave uno a uno, con la ayuda del profesor. El itinerario formativo se inicia con el conocimiento sensorial a través de la experiencia directa con la materia, el estudio analítico del proceso creativo y las propuestas y proyectos que se elaboran en clase. Uno de los puntos fuertes del curso es una amplia oferta de talleres internos y externos, encuentros con artistas y actividades de carácter tecnológico y técnico en empresas del sector, estratégicas en los distintos ámbitos tecnológicos: carpintería metálica, fundición, hornos para terracota y cerámica, canteras de mármol y aserraderos, talleres de piedra, empresas de materiales plásticos, etc. La enseñanza está orientada al crecimiento individual, por lo que ayuda a madurar las decisiones creativas y experimentales para ponerse a prueba, abordando en cada ocasión el tema y el propio campo de acción/relación.

El curso pretende acercar a los estudiantes al mundo real del arte a través de eventos, exposiciones, encuentros, talleres, enseñanza interdisciplinaria y prácticas externas. Este abanico de oportunidades ofrece a los estudiantes la posibilidad de madurar profesionalmente.

La riqueza formativa de este programa de tres años de primer ciclo en Escultura consiste precisamente en la apertura y la contaminación de lenguajes mediante módulos académicos y prácticos integrados. Los estudiantes tienen la oportunidad de conocer diferentes ámbitos de investigación enriquecidos por la experiencia internacional. El programa ofrece múltiples oportunidades interdisciplinarias, proyectos y colaboraciones externas.

Desde los talleres hasta la realización completa de propuestas expositivas de nivel museístico. Como parte de la mentalidad abierta y de intercambio que caracteriza al programa, la formación de los estudiantes es el eje central de un compromiso constante con las actividades internacionales institucionales en diferentes ámbitos: Erasmus+, Eu4Art, UNIMED.

En el itinerario formativo de tres años, se pide a los estudiantes que aprendan a trabajar simultáneamente en diferentes planos y con diferentes modalidades para intensificar la experiencia formativa. Es decir, mientras se lleva a cabo el estudio del natural mediante el dibujo y el modelado, como ejercicio básico, el programa empieza desde el primer momento a proporcionar las herramientas necesarias para formar a los estudiantes en el desarrollo de un espíritu crítico y una actitud experimental. Se centra en una metodología analítica crítico-práctica, en respuesta a las numerosas propuestas temáticas y programáticas que se le presentan. Algunos temas recurrentes de la investigación son: el arte entre el artificio y la naturaleza, la sostenibilidad, la belleza, el interior y el exterior, el tema del tiempo y la impermanencia, el cuerpo orgánico e inorgánico, la luz y la sombra, etc. Aunque la obra parezca terminada, eso no significa que esté realmente concluida; por eso es necesario desarrollar un proceso analítico que identifique los puntos fuertes y los aspectos críticos de la obra. El ojo siempre debe establecer una relación dinámica con la obra escultórica. Hoy día experimentamos un impulso muy fuerte hacia la codificación inmediata y la mercantilización de los productos, pero la tarea del artista es establecer criterios adicionales, incondicionados, libres, imaginativos y creativos. La tarea del itinerario formativo es estimular la capacidad de establecer una relación de por vida con la obra mediante la búsqueda de nuevos valores y nuevos significados acordes con nuestros tiempos.

METODOLOGÍA DIDÁCTICA

1. Experiencia experimental y analítica. El análisis de los lenguajes expresivos, en las más amplias variantes de la creación escultórica. El programa tiene un enfoque práctico y analítico, tanto conceptual como visual.
2. El curso propone a los estudiantes diferentes itinerarios de investigación, en consonancia con sus objetivos particulares, abiertos a la posibilidad de nuevos descubrimientos; por lo tanto, el trabajo se entiende como un «work in progress» dinámico.
3. Estudio de la percepción, el análisis y la visión: itinerario analítico introspectivo y exterior.
4. Experimentación y conocimiento de los materiales, (distinguiéndolos por sus propiedades específicas y cualidades poéticas): la escultura modelada, la escultura en metal, el ensamblaje, los materiales recuperados, el material natural, las nuevas tecnologías, el molde, la terracota, los plásticos de nueva generación, los materiales naturales, las fibras y mucho más. El conocimiento experimental forma parte del ámbito de la investigación escultórica y la experimentación del programa de tres años en Escultura.
5. Trabajar sobre el concepto
6. Aprender una metodología de investigación. Saber moverse en el espacio con conciencia, aprendiendo a estar dentro y fuera de las reglas, de una manera tan visionaria como consciente.
7. Conocer el valor del concepto de escala y el estudio del espacio.
8. El programa busca estimular a los estudiantes dentro de la experiencia creativa y desarrollar con sensibilidad las cualidades profesionales y las aptitudes individuales.
9. Se animará a los estudiantes a estudiar el natural, lo que implica la gramática de la forma, el espacio, el estudio de la geometría, la línea, el límite, la materia, la superficie, el volumen, la estática, el movimiento y la luz.
10. El itinerario formativo prevé la realización de esculturas libres mediante la realización de proyectos, bocetos, recopilación de materiales y experimentación sensorial específica. Estudio y realización de obras en relación con el espacio ambiental, urbano y natural.
11. Diseño y producción de obras plásticas tradicionales, tecnológicas y multimedia, instalaciones específicas para cada lugar, y obras naturales y sostenibles para exposiciones públicas.
12. Investigación de nuevos lenguajes expresivos orientados a objetivos específicos y para clientes.
13. Experimentación con miras a desarrollar la madurez profesional de alta formación artística.
14. Construcción de un currículum profesional y una identidad artística seria.
15. Participación en concursos, exposiciones y otras oportunidades

1. PRÁCTICA EN TALLER/PRAXIS
   • Estudio práctico analítico
   • Trabajo sobre la percepción
   • Estudio de los conceptos plásticos básicos: forma, espacio, luz, materia, vacío, lleno, tiempo, movimiento, acción.
   • Modelado en arcilla, moldeado en yeso, molde y experimentación con los materiales más variados y contemporáneos.
   • Expresión libre y potenciación de la creatividad individual
   • Trabajo en grupo e interdisciplinar
   • Dibujo del natural
   • Estudio gráfico y diseño
2. INVESTIGACIÓN CONCEPTUAL/POIESIS
   • Visita a exposiciones
   • Encuentros con artistas
   • Seminarios web
   • Residencias artísticas
   • Viajes
   • Visita a museos y fundaciones
   • Profundización teórica
   • Estudio analítico de las obras de artistas históricos y contemporáneos
   • Participación en concursos públicos y privados
   • Profundización del estudio teórico
   • Referencias de estudio: Miro Conceptual Map
   • Referencias y bibliografía
   • La lectura de textos, tanto clásicos como recientes, abre un debate en torno a muchos temas, se convierte en objeto de discusión y de estudio, y sienta las bases culturales para abordar el trabajo personal de manera profesional.
3. LISTA DE TALLERES (académicos, nacionales e internacionales)
   • Experiencias didácticas externas: talleres, simposios, festivales, exposiciones, ferias de arte: Embajada de Italia en Atenas, Academia de Bellas Artes de Budapest, Academia de Bellas Artes de Dresde, Academia de Bellas Artes de Riga, Festival de Sociología de Narni en colaboración con la Asociación Minerva Arte y la Universidad de Perugia, Seminare Arte Thuya Lab APS.
   • Talleres externos: canteras de mármol de Carrara, Tinos (isla de las Cícladas), talleres de mármol. Carpintería metálica SEFIN – Montecastrilli-
   • Encuentros con artistas internacionales
   • Intervenciones de escultura pública: Museo del Jardín Botánico de Roma, Jardines de Villa Reale en Monza, Jardines de Villa Verri en Biassono, Jardines Históricos de San Quirico d’Orcia, Museo Laboratorio della Mente, Marble and Craft Pyrgos en Tinos (Grecia), Narni Auditorium Bortolotti

PROGRAMA DE ESCULTURA DE TRES AÑOS PORFIDIA «IMAGINACIÓN SOSTENIBLE»
Temas del proyecto:

• LA MIRADA DEL OTRO
• MEDITERRÁNEO – MED ART PROJECT
• LA ESCULTURA ENTRE SOSTENIBILIDAD Y TECNOLOGÍA
• VER DIVERSA-MENTE
• ESCULTURA – SOSTENIBILIDAD – RECICLAJE
• DEL MATERIAL A LA OBRA
• HOMBRE Y NATURALEZA – ESCULTURA EN LA NATURALEZA
• ARTE PARA VIVIR
• INTERIOR/EXTERIOR
• EL CUERPO Y LA MENTE

Objetivos formativos:
El objetivo del Programa de Diploma de Segundo Ciclo en Escultura, Arte Público y Ambiental es proporcionar una metodología de investigación y una formación creativa con competencias técnicas y analíticas de los códigos específicos de este lenguaje. El itinerario didáctico propone diferentes niveles de exploración: el análisis de las formas que caracterizan la tipología del arte público y el estudio de su función con respecto al arte privado. Captar la compleja evolución del lenguaje contemporáneo, caracterizada por grandes influencias; explorar vías innovadoras para involucrar al público en una relación adecuada, tanto en el entorno urbano como en la naturaleza. El programa, a través de la experiencia directa de la investigación experimental del espacio en las formas más variadas y en los diferentes materiales, aborda diversas problemáticas. Centrándose en las cuestiones más urgentes de nuestra época, el estudio analiza las diferentes prácticas y poéticas que la Escultura Pública y Ambiental ha expresado, ofreciendo diferentes soluciones imaginativas en los diversos horizontes geográficos y ambientales. El programa tiene como objetivo proporcionar diversos estímulos para ampliar los conocimientos, a través de la experiencia dialéctica de la obra escultórica entre el artificio y la naturaleza, entre la arquitectura, el espacio y las situaciones sociales. Trabaja sobre el contexto y la función pública. El estudio analítico de obras y artistas contemporáneos es la vía para ofrecer a los estudiantes en formación una lente para interpretar el espacio simbólico, que se ha de considerar en cada ocasión para poner de relieve la poética y la especificidad del lenguaje. El programa prepara a los estudiantes para captar las características del lenguaje y la originalidad en las prácticas y metodologías artísticas individuales de lo contemporáneo. El itinerario formativo, en estos términos, crea las condiciones prácticas para fomentar un debate estimulante y ayuda a desarrollar nuevas soluciones poéticas con una dimensión social, pública, ética e innovadora.
Cada época ha traído consigo un cambio en el lenguaje y en su percepción simbólica; hoy día, el concepto de espacio contemporáneo se ve influido por diversos ámbitos de contaminación, potenciados sobre todo por el uso de las nuevas tecnologías. A través de un trabajo integrado, entre profundización teórica y práctica, los estudiantes abordan un itinerario formativo que tiene como objetivo aprovechar la contaminación creativa y la multidisciplinariedad en el ámbito específico de la escultura. El estudio parte de experiencias en el taller para contextos externos, desde el Jardín Botánico hasta jardines públicos, plazas y cualquier lugar que pueda convertirse en objeto de investigación creativa. La investigación siempre debe integrarse en un proyecto práctico que se ajuste a la necesidad de proponer una visión de gran actualidad. El tema central en el que se basa toda la actividad formativa es la maduración de una experiencia creativa y profesional que se refleja en la obra escultórica pública.
La práctica y el estudio técnico, junto con la experiencia sobre el terreno, convergen para la adquisición de una metodología de investigación y conciencia sobre las prácticas de diseño y las necesidades de un lenguaje creativo acorde con los tiempos.
Siguiendo un itinerario didáctico orientado al conocimiento exhaustivo de las teorías, los materiales y los dispositivos tecnológicos, el programa pretende desarrollar de manera variada y singular las capacidades interpretativas de los fenómenos complejos vinculados al mundo del arte, a sus contextos, a su difusión, a la interpretación de la realidad y a la época actual. Cada año, el programa propone una bibliografía actualizada con los temas examinados: del vacío a la memoria, a las cuestiones sobre la visibilidad, la estética y las nuevas tecnologías.
El programa aprovecha la función estratégica del taller, entendido como un lugar de intercambio de experiencias. Partiendo de un itinerario formativo básico que estructura el pensamiento creativo mediante el diálogo, la lectura, la reflexión y el «work in progress», el dibujo y la manipulación de los materiales, los alumnos van tratando, uno tras otro, los temas que les apasionan y les motivan, así como los que propone la profesora como tema de proyecto y oportunidad de investigación. Los talleres externos en empresas especializadas en los distintos ámbitos técnicos permiten conocer de cerca y orientarse con conocimiento de causa en las diversas prácticas, desarrollando además nuevas aplicaciones y nuevos criterios operativos.
La actividad de los talleres es muy incisiva y ofrece ideas de investigación y experimentación de gran interés. De hecho, una característica del programa es esta modalidad de investigación dirigida al exterior, a través de acciones sobre el terreno, dentro de museos, en museos al aire libre, como el Museo del Jardín Botánico de Roma, museos internacionales en el extranjero, como el Marble & Craft Museum de Pyrgos en la isla de Tinos en Grecia, la Embajada de Italia en Atenas, en academias extranjeras, espacios públicos como la Villa Reale de Monza, la Villa Verri de Biassono, la histórica Villa degli Horti Leonini de San Quirico d’Orcia y muchas otras propuestas y lugares de exposición.

Metodología:
La especialidad de Escultura y Arte Público propone un itinerario de estudios centrado en la poética del espacio, entendido como un lugar de relación y un hábitat ambiental, tanto urbano como natural. La base de la investigación artística es el conocimiento de las tecnologías escultóricas aplicadas al lugar público, el estudio de los requisitos de la escultura pública y la función ambiental de la obra escultórica. Conocimiento de las normas básicas para la participación en concursos de arte público en los que se plantee la instalación de esculturas, monumentos conmemorativos y otros elementos emblemáticos en plazas, edificios públicos, rotondas, jardines urbanos y otros lugares. Estas obras escultóricas deben constituir una referencia cultural en el contexto para el que están diseñadas, con efectos también muy importantes en el ámbito relacional, social, económico y ambiental. La ley del 2 % constituye una de las oportunidades más importantes para los artistas que deseen realizar obras de arte público.
Las cuestiones específicas en el diseño de la escultura pública son: la durabilidad, la seguridad, la estabilidad, la relación de escala, el mantenimiento, la relación con el entorno, la sostenibilidad y, por supuesto, el valor estético. Desde el proyecto hasta su realización, es fundamental el conocimiento de los materiales y las diversas posibilidades de uso de las tecnologías. El acento contemporáneo del programa se enriquece con experiencias concretas en diversos ámbitos de investigación mediante talleres, experiencias de diseño ambiental, estudio y realización de obras para espacios públicos, exposiciones itinerantes e instalaciones específicas para cada lugar.
Es fundamental la participación en concursos de escultura pública, simposios y residencias artísticas, que ofrecen oportunidades para realizar una investigación de campo desde una perspectiva que a veces puede estimular nuevos enfoques metodológicos y el conocimiento de otros lenguajes. La relación con las tecnologías, con el diseño urbanístico, con la arquitectura, con el medioambiente y con la naturaleza son temas de estudio. En el estudio de la Escultura Ambiental y Pública, es fundamental que el componente teórica se complemente con la participación en profundidad de historiadores del arte, filósofos, arquitectos, técnicos y otros profesionales que puedan aportar una contribución de gran valor a la formación específica. La intención es generar oportunidades de intercambio también con otras facultades universitarias, tanto en nacionales como en el extranjero. Por ello, se pretende desarrollar el Proyecto Mediterráneo Med Art Project, también ante la reciente inclusión de la Academia de Roma en la red UNIMED. Además, cabe destacar el programa piloto de investigación que ya se ha puesto a prueba a escala europea con las universidades de Dresde, Budapest y Riga en el marco del proyecto Eu4Art. Por último, pero no menos importante, está el potencial de intercambio e investigación que ofrece a los estudiantes el programa Erasmus+. Todas estas conexiones internacionales son oportunidades muy positivas para el arte y, sobre todo, para llevar a cabo acciones de colaboración e intercambio en el marco de la investigación en el ámbito especializado del programa de dos años.
Es indispensable crear una red de conocimientos y establecer un contacto vivo con industrias y profesionales de los distintos sectores. La participación en simposios. Los foros del sector, los festivales y las ferias son esenciales para desarrollar un proyecto con conciencia y profesionalidad. El trabajo individual también debe ir acompañado de la capacidad de aprovechar nuevas oportunidades de trabajo en grupo. La apertura al diálogo y al intercambio, junto con la flexibilidad y la capacidad de escuchar, son herramientas valiosas para desarrollar la investigación artística, incluso en los niveles más avanzados. Conocer la diversidad y profundizar en las raíces culturales de lugares lejanos, así como abrirnos a la perspectiva del otro, es fundamental para crear proyectos válidos e inclusivos. La comunicación global se caracteriza cada vez más por las diferencias. La participación en concursos es una de las oportunidades más importantes para poner a prueba los conocimientos adquiridos en el programa.
Las técnicas que se proponen son: técnica de modelado, papel, soldadura, cerámica, ensamblaje, composición con materiales innovadores, recuperados y naturales, materiales sintéticos, mármol y cemento.
Además, las prácticas de modelado 3D están incluidas en el plan de estudios y pueden proporcionar una valiosa herramienta creativa y de diseño.

• Preparación teórica: clases y seminarios internacionales
• Actividades prácticas a distancia y presenciales, talleres
• Participación en concursos de arte público, ley del 2 % y otros concursos

Los dispositivos digitales y las nuevas tecnologías han cambiado a las personas y su forma de pensar. Hemos aprendido a conocer las ventajas y los inconvenientes de la tecnología al experimentar la enseñanza en línea. Hoy somos más conscientes y sabemos orientar mejor nuestras actitudes, también gracias a esta lección. Tenemos nuevas herramientas que podemos usar sin renunciar a los aspectos fundamentales de nuestro «ser personas sensibles y libres». El objetivo del programa, por tanto, es ayudar a los estudiantes a interpretar la tecnología con conciencia y creatividad. La creatividad siempre debe explorar nuevos caminos y buscar la calidad expresiva. Encontrar soluciones adecuadas. Desarrollar una investigación permite promover nuevas ideas que las tecnologías pueden ayudar a materializar con eficacia, sobre todo para crear obras de cualquier tamaño. Uno de los objetivos es pasar de las creaciones de pequeño formato a los proyectos de gran escala.
El curso propone diferentes itinerarios de investigación, partiendo del conocimiento de artistas ya consagrados como Bill Viola y muchos otros que han utilizado lo digital creando formas expresivas denominadas videoescultura, pero también artistas como Studio Azzurro, Fabrizio Plessi, Pipilotti Rist, Tony Oursler o Jaume Plensa, que han utilizado lenguajes contaminados por las formas digitales y enriquecidos por el uso de las nuevas tecnologías.
El objetivo del curso no es canibalizar la intimidad y la imaginación con el uso de la tecnología, sino descubrir en los nuevos procesos el potencial adecuado en cuanto a lenguaje y método para enriquecer el sentido de la investigación y la sensibilidad expresiva individual. Además, sin duda es posible abordar temas colectivos con una lógica sostenible y en armonía con las necesidades ambientales, gracias también a la aplicación de tecnologías avanzadas en un proyecto de contaminación y creatividad sostenible.
En resumen, se reitera que el objetivo es aplicar las nuevas tecnologías a lenguajes expresivos de fuerte impacto emocional, sin sacrificar su sentido poético, para dar voz a la sensibilidad contemporánea.
Una cuestión central en la producción artística multimedia y tecnológica es el diálogo entre lo visible y lo invisible.
Las actividades formativas básicas y específicas son asignaturas obligatorias que desarrollan la compleja preparación cultural de los alumnos en materia de nuevas tecnologías aplicadas. Por lo tanto, los estudiantes tienen la oportunidad de adquirir habilidades y trabajar en proyectos, aprendiendo las diferentes posibilidades que plantean los sistemas operativos multimedia.
Los estudiantes pueden realizar proyectos aplicando el modelado digital 3D, crear espacios interactivos, trabajar en la producción de vídeos, obras ambientales y profundizar en el concepto de videoescultura.

Metodología:
La habilidad fundamental que se aborda en el curso es el análisis del lenguaje creativo en la aplicación tecnológica, tanto desde el punto de vista estético como expresivo. La calidad en términos de carácter, profesionalidad, estilo, coherencia y sensibilidad de imagen. Valores distintivos con respecto al uso mediático y espectacular de las formas de comunicación más populares.
La investigación artística es la base del programa de dos años y tiene como objetivo preparar a los estudiantes para la presentación profesional de su trabajo artístico. Para alcanzar estos objetivos, es fundamental la actividad intensiva de los talleres externos y formativos. El intercambio entre profesores y estudiantes se produce mediante reuniones de grupo que optimizan constantemente el conocimiento y ayudan a madurar nuevos lenguajes. El método de investigación parte de la propuesta del profesor orientada a objetivos específicos: exposiciones, proyectos de concurso, prácticas de aplicación de diferentes tecnologías gracias a talleres específicos. Colaboraciones en grupo.
Cada año se exigen al menos tres trabajos y otros tantos proyectos de investigación, análisis teóricos en profundidad y de síntesis con el uso de mapas conceptuales que expliquen la investigación desde el punto de vista teórico.

Bibliografía:

• Anthony Gormley, Martin Gayford. «Plasmare il mondo. La scultura dalla Preistoria a oggi». Giulio Einaudi Editore. Turín, 2021
• Giuliana Bruno. «Superfici, A proposito di estetica, materialità e media». Johan e Levi editore. Cremona, 2016
• Nicolas Bourriaud, Il radicante. «Per un’estetica della globalizzazione», Postmedia books, 2014
• Nicolas Bourriaud, «Estetica relazionale», Postmedia books, 2010
• Riccardo Falcinelli. «Figure. Come funzionano le Immagini dal Rinascimento a Instagram». Einaudi, Turín, 2020
• Pietro Montani. «Tecnologie della sensibilità. Estetica e immaginazione Interattiva». Raffaello Cortina editore. Milán, 2014
• Byung-Chul Han. «Nello Sciame. Visioni del digitale». Nottetempo. Milán, 2015
• Vincenzo Trione. «L’opera interminabile. Arte e XXI secolo». Einaudi, 2019

«RESUMEN DEL PROGRAMA IMAGINACIÓN SOSTENIBLE»

• Actividad práctica
• Participación en concursos
• Participación en eventos internacionales
• «La escultura entre la sostenibilidad y la tecnología» –
• Participación en talleres y laboratorios externos
• Visita a exposiciones y museos
• Participación en foros internacionales
• Participación en exposiciones
• Talleres didácticos y de investigación con profesionales del sector
• Visita a talleres para el estudio de los materiales y la aplicación de las nuevas tecnologías en escultura

Perspectivas laborales:
Todos los ámbitos en los que se requieren habilidades para la aplicación del modelado digital 3D, ya sea para el uso de la robótica aplicada a la elaboración de escultura en mármol, para el uso de archivos de diseño vectorial en el corte por láser o el oxicorte por control numérico, o para el uso de impresoras 3D. Son muchos los ámbitos de habilidades que pueden abordarse con esta formación en una visión innovadora del arte. Desde recorridos virtuales por museos hasta archivos digitales, pasando por todo tipo de proyectos multimedia de libre creación.
Aplicación de sistemas de alta tecnología para la realización de obras libres de escultura ambiental, realización de obras multimedia

Objetivos formativos
El objetivo del programa es contribuir a la formación de los estudiantes, proporcionando una metodología teórico-práctica que les permita analizar los procesos artísticos y producir contenidos de investigación.

Contenidos del curso
El programa de Metodologías y Técnicas de lo Contemporáneo parte del análisis de las experiencias, los lenguajes y los medios que han acompañado a las experimentaciones artísticas de las últimas décadas, para poner de relieve sus cualidades específicas y de contenido, así como la transformación dialéctica entre obra, artista y público. El programa busca explorar el concepto mismo de «investigación artística» para comprender mejor la cuestión de la poética en relación con las diferentes formas de lenguaje. Por lo tanto, el itinerario didáctico se mueve a través del análisis de las diferentes prácticas artísticas, de las técnicas adoptadas, del «modo» de los lenguajes y de los contenidos. El enfoque del programa es la mirada analítica sobre la obra como producto y sobre la interdisciplinariedad entre las distintas expresiones de la contemporaneidad. En particular, se pretende fomentar la capacidad de aspirar a la libertad del lenguaje también a través de la intersección de las prácticas y la fluidez típica de nuestros días. Hoy día se entremezclan ámbitos de investigación que podrían parecer lejanos, pero la tendencia es a anular cada vez más los límites de género; desde la materia física a la inmaterialidad de las tecnologías, desde la «performance» a las instalaciones de medios mixtos y el arte sonoro, hasta el arte «relacional». Por ende, hay que enfrentarse a la pluralidad de prácticas presentes en los lenguajes de las artes contemporáneas, destacando hasta qué punto los métodos de trabajar, los procedimientos, los programas y los contenidos son el resultado de un proceso en evolución, que se sitúa entre diferentes sensibilidades, intereses sociales, contextos culturales y tecnologías en el mismo campo.

Textos de referencia

• Anthony Gormley, Martin Gayford, «Plasmare il mondo. La scultura dalla preistoria a oggi». Einaudi, Turín, 2021
• Giuliana Bruno. «Superfici, A proposito di estetica, materialità e media». Johan e Levi editore. Cremona, 2016
• Nicolas Bourriaud, Il radicante. «Per un’estetica della globalizzazione», Postmedia books, Milán, 2014
• Nicolas Bourriaud, «Estetica relazionale», Postmedia books, Milán, 2010
• Riccardo Falcinelli, «Figure. Come funzionano le Immagini dal Rinascimento a Instagram». Einaudi, Turín, 2020
• Cristina Casero, Elena Raddo, Francesca Gallo (editores). «Arte fuori dall’Arte. Incontri e scambi fra arti visive e società negli anni Settanta». Postmediabooks, Milán, 2017
• Pietro Montani, «Tecnologie della sensibilità. Estetica e immaginazione interattiva». Raffaello Cortina editore, Milán, 2014
• Byung-Chul Han, «Nello Sciame. Visioni del digitale». Nottetempo, Milán, 2015
• Vincenzo Trione, «L’opera interminabile. Arte e XXI secolo», Einaudi, Turín, 2019

Métodos didácticos
El programa, estructurado en clases teóricas y prácticas para profundizar en los temas propuestos, se centra en el enfoque metodológico analítico y en el análisis de obras de arte para identificar procesos y prácticas que ejemplifiquen los conceptos clave identificados como eje de las clases. La experiencia se basará en el diálogo abierto con y entre los estudiantes, con el objetivo de generar un debate sistemático organizado. Desde el punto de vista experimental, se proporcionarán ejercicios e instrucciones metodológicas específicas. Uno de los talleres teóricos propuestos será la elaboración de mapas conceptuales para ilustrar los itinerarios analíticos y de investigación creativa. El curso también pretende ofrecer oportunidades externas para ampliar la experiencia formativa con talleres y laboratorios prácticos experimentales, a través de visitas específicas.

Modalidad de evaluación
El examen final será oral y se desarrollará abordando los diferentes puntos de análisis de los temas tratados durante las clases.
Para el examen, los estudiantes podrán seleccionar en qué textos profundizar de la bibliografía de referencia, ampliada con otros textos citados en el transcurso de las clases. A la hora de poner la nota, se tendrán en cuenta los conocimientos de los estudiantes sobre los temas abordados en profundidad.